quarta-feira, 30 de dezembro de 2015

Rock is great and I like it!
When rock music first came, it had not yet this name. It was called instead “race music” by the radio stations and by the record companies because the music had a strong black appeal and was not quite absorbed by the white medium class.
The name “rock and roll” was coined by a Cleveland disc-jockey named Alan Freed, with the purpose of creating some R&B especially targeted to the white youth.
Its origin dates back to the late 1940s and early 1950s with deep roots brought from the black music – blues, R&B, gospel and folk music – but also from the Midwest white country music. However, its recognition and its internationalization took place only in the second half of the 1950s.
Rock and roll was known as “rock-a-billy”, and the word appears from a slang used by the young people at the time – “rock” – that meant “to swing, to sway”, among other things (in order to differentiate from the word “swing” used by their parents’ generation that had the same meaning) and “hillbilly” based on the country music component.
Therefore, rock, rock and roll and rock-a-billy are the same kind of music and similarly to what happened to jazz, had mutations over time. In almost sixty years of age, rock assumed more than thirty different styles like classic,  acid, progressive, symphonic, melodic, surf music, punk, hard, heavy metal, trash, death metal and indie rock.
Ironically, although the label “race music” refers to blacks, the whites were the singers and musicians that inaugurated the style for good.
Among them, we can mention Carl Perkins – “Blue Suede Shoes” (Carl Perkins), “Boppin’ The Blues” (Carl Perkins-Curley Griffin) and “Your True Love” (Carl Perkins); Elvis Presley – “That’s All Right” (Arthur Crudup), “Don’t Be Cruel” (Otis Blackwell-Elvis Presley) and “Hound Dog” (Jerry Leiber-Mike Stoller); Jerry Lee Lewis – “Whole Lotta Shakin’ Goin’ On” (Dave ‘Curlee’ Williams-Sunny David), “High School Confidential” (Jerry Lee Lewis-Ron Hargrave) and “Great Balls Of Fire” (Otis Blackwell-Jack Hammer); and Gene Vincent – “Be-Bop-A-Lula” (Gene Vincent-Tex Davis), “Maybelline” (Chuck Berry) and “Bluejean Bop”(Gene Vincent).
Other precursors that started to pave the road were Conway Twitty – “Lonely Blue Boy” (Conway Twitty), “Linda On My Mind” (Conway Twitty) and “It’s Only Make Believe” (Jack Nance-Conway Twitty); Ricky Nelson – “Hello Mary Lou” (Gene Pitney), “Travelin’ Man” (Jerry Fuller) and “Believe What You Say” (Dorsey Burnette-Johnny Burnette); Ronnie Hawkins – “Thirty Days(Chuck Berry), “My Gal Is Red Hot” (Ronnie Hawkins) and “Mary Lou” (Ronnie Hawkins); The Everly Brothers – “Wake Up Little Suzie” (Felice Bryant-Boudleaux Bryant), “Bye-Bye Love” (Felice Bryant-Boudleaux Bryant) and “Claudette” (Roy Orbison); Roy Orbison, maybe the more modern for the time – “Oh Pretty Woman” (Roy Orbison-Bill Dees), “Crying” (Roy Orbison-Joe Melson) and “Only The Lonely” (Roy Orbison-Joe Melson); Johnny Cash, a folk attitude inside the rock – “Sixteen Tons” (Merle Travis), “Let Him Roll” (Guy Clark) and “Going By The Book” (Johnny Cash); Eddie Cochran, killed at age 22 in a car accident in England – “C’mon Everybody” (Eddie Cochran-Jerry Capeheart), “Pretty Girl” (Eddie Cochran-Jerry Capeheart) and “Jeannie, Jeannie, Jeannie” (George Motola); and Buddy Holly, who also died very young in a plane crash in Clear Lake, Iowa – “That’ll Be The Day (Jerry Allison-Norman Petty- Buddy Holly), “It’s So Easy” (Buddy Holly-Norman Petty) and “Peggy Sue” (Jerry Allison-Norman Petty-Buddy Holly).
Later, in the ‘60s, other groups showed up, like The Monkees – “I’m A Believer” (Neil Diamond), “Steppin’ Stone” (Robert Luke Harshman-Tommy Boyce) and “Look Out – Here Comes Tomorrow” (Neil Diamond); The Doors, a wonderful band that would go much further if it were not for the death of Jim Morrison – “Light My Fire” (Jim Morrison-John Densmore-Ray Manzarek-Robby Krieger), “Peace Frog” (Jim Morrison-John Densmore-Ray Manzarek-Robby Krieger) and “L.A.Woman” (Jim Morrison-John Densmore-Ray Manzarek-Robby Krieger); and The Beach Boys, whose main hit was “Surfin U.S.A.” (actually this song is the same “Sweet Little Sixteen” by Chuck Berry, with different lyrics written by Brian Wilson). Other Beach Boys’ hits were “I Get Around” (Mike Love-Brian Wilson) and “Wouldn’t It Be Nice” (Brian Wilson), released in a clip where they mimicked The Beatles’ mannerisms in the movies.
The black singers that have recorded rock music at that time were not those many – basically only  Chuck Berry – “Johnny B.Goode” (Chuck Berry), “Sweet Little Sixteen” (Chuck Berry) and “Rock & Roll Music” (Chuck Berry) and Little Richard – “Long Tall Sally” (Richard Penniman-Enotris Johnson-Robert Blackwell), “Good Golly Miss Molly” (Robert Blackwell-John Marascalco) e “Lucille” (Albert Collins). They played  rock and roll with less influence of the western country music, but with an increased influence of R&B and black music, thus presenting some difference between their musical message and the rock-a-billy of the white singers.
When the rock and roll music began it was very intense and came to replace the dance hall music where the big bands and the swing songs had started to lose ground. Gradually, rock stopped being called “race music” and became more attractive to the white medium class and to the record companies.
In 1955 rock invaded the British Isles bringing out some pioneering groups such as the first Lennon-McCartney band, The – The Quarrymen – “I’ll Follow The Sun” (John Lennon-Paul McCartney), “One After 909” (John Lennon-Paul McCartney) and “Maggie Mae” (a traditional Liverpool song) – all of these songs were recorded many years later by The Beatles; Cliff Richard & The Drifters (later called The Shadows) – “Twenty Flight Rock” (Ned Fairchild-Eddie Cochran), “Living Doll” (Lionel Bart) and “Move It” (Cliff Richard).
As time went on and with the growth of the American pop music which spread out and fled the rock tradition, mainly during the ‘70s – Michael Jackson, Madonna, Billy Joel, Stevie Wonder, Paul Simon, James Brown, The Carpenters, The Guess Who, Carole King, Chicago, America, Bruce Springsteen, Prince,  Diana Ross – the rock and roll and the modern blues lose their ground in the United States but gained more strength in Europe and Australia, and this is confirmed by the amazingly success of The Beatles, The Rolling Stones, The Yardbirds, The Animals, The Who, Deep Purple, Eric Clapton, Jeff Beck, John Mayall & Bluebreakers, Led Zeppelin, Pink Floyd, and many others.
It’s obvious that Brazil would not get out of that influence. So, as the “new rock and roll” faded away in the ‘80s, the so-called Brazilian Rock emerged with its social and intellectual profile.  
The movement broke out in Brasilia, but soon had the complicity of musicians from around the country, like Paralamas do Sucesso, Engenheiros do Hawaii, Legião Urbana, Titãs, Barão Vermelho, Biquini Cavadão, Ultraje a Rigor, Ira!, Capital Inicial, Camisa de Vênus and so many others.
With a history that spans generations, rock earned his place in the 20th century and shows that will be perpetuated in the 21st century, whether using the acoustic base that marks its origin or favoring electronic instruments, technology or the modern esoteric sounds. Its secret lies not only in the sound, but mainly in the spirit of the music.
Due to this and that, rock is great and I like it. Whoever has traveled this journey will never stop being a rocker.

sexta-feira, 25 de dezembro de 2015

Parte III – O rock é bom e eu gosto
Quando surgiu, o rock and roll ainda não tinha nome e era chamado de race music (música racial) pelas emissoras de rádio e pelas gravadoras americanas porque o material tinha um forte apelo da música negra e quase não era consumido pela classe média branca jovem. O nome foi cunhado por Alan Freed, um disc-jóquei de Cleveland, numa tentativa de criar  um rhythm & blues dirigido especialmente para a juventude branca.  
A sua origem remonta ao final dos anos 1940 e início dos anos 1950, com raízes realmente trazidas da música negra – na forma de blues, do rhythm & blues, da música gospel e da folk music – mas também da country music nascida no centro oeste, de origem branca.  O batismo e a internacionalização do rock and roll, porém, aconteceram somente na segunda metade dos anos 1950.
O rock and roll era genericamente chamado de rock-a-billy, menção a uma gíria usada pelos jovens da época – rock – que significava “balançar”, entre outras coisas, para diferenciar do swing (que também significava também “balançar”, mas era usado pela geração dos seus pais), e “hillbilly” (caipira), uma alusão ao componente country da nova música.
Assim, rock, rock and roll e rock-a-billy são denominações da mesma música que, a exemplo do jazz, foi sofrendo mutações ao longo do tempo e assumindo mais de trinta formas diferentes nos seus quase sessenta anos de existência, entre as quais os estilos classic,  acid, progressive, symphonic, melodic, surf music, punk, hard, heavy metal, trash, death metal e indie rock.
Ironicamente, apesar de o rótulo “race music” remeter aos negros, foram músicos e cantores brancos que inauguraram o estilo pra valer.
Entre estes músicos, pode-se citar Carl Perkins – “Blue Suede Shoes” (Carl Perkins), “Boppin’ The Blues” (Carl Perkins e Curley Griffin) e “Your True Love” (Carl Perkins); Elvis Presley – “That’s All Right” (Arthur Crudup), “Don’t Be Cruel” (Otis Blackwell e Elvis Presley) e “Hound Dog” (Jerry Leiber e Mike Stoller); Jerry Lee Lewis – “Whole Lotta Shakin’ Goin’ On” (Dave ‘Curlee’ Williams e Sunny David), “High School Confidential” (Jerry Lee Lewis e Ron Hargrave) e “Great Balls Of Fire” (Otis Blackwell e Jack Hammer); e Gene Vincent – “Be-Bop-A-Lula” (Gene Vincent e Tex Davis), “Maybelline” (Chuck Berry) e “Bluejean Bop”(Gene Vincent).
Outros pioneiros que participaram do início da pavimentação da Era do Rock (ou do “roquinho”, ou do rock-balada, como queiram) foram Conway Twitty – “Lonely Blue Boy” (Conway Twitty), “Linda On My Mind” (Conway Twitty) e “It’s Only Make Believe” (Jack Nance e Conway Twitty); Ricky Nelson – “Hello Mary Lou” (Gene Pitney), “Travelin’ Man” (Jerry Fuller) e “Believe What You Say” (Dorsey Burnette e Johnny Burnette); Ronnie Hawkins – “Thirty Days(Chuck Berry), “My Gal Is Red Hot” (Ronnie Hawkins) e “Mary Lou” (Ronnie Hawkins); The Everly Brothers – “Wake Up Little Suzie” (Felice Bryant e Boudleaux Bryant), “Bye-Bye Love” (Felice Bryant e Boudleaux Bryant) e “Claudette” (Roy Orbison); Roy Orbison, talvez o mais moderno para a época – “Oh Pretty Woman” (Roy Orbison e Bill Dees), “Crying” (Roy Orbison e Joe Melson) e “Only The Lonely” (Roy Orbison e Joe Melson); Johnny Cash, uma atitude folk dentro do rock – “Sixteen Tons” (Merle Travis), “Let Him Roll” (Guy Clark) e “Going By The Book” (Johnny Cash); Eddie Cochran, morto aos 22 anos num acidente de trânsito na Inglaterra – “C’mon Everybody” (Eddie Cochran e Jerry Capeheart), “Pretty Girl” (Eddie Cochran e Jerry Capeheart) e “Jeannie, Jeannie, Jeannie” (George Motola); e Buddy Holly, também morto precocemente  em um acidente aéreo em Clear Lake, no Iowa – “That’ll Be The Day (Jerry Allison, Norman Petty e Buddy Holly), “It’s So Easy” (Buddy Holly e Norman Petty) e “Peggy Sue” (Jerry Allison, Norman Petty e Buddy Holly).
Um pouco mais tarde, durante os anos 1960,  surgiram The Monkees – “I’m A Believer” (Neil Diamond), “Steppin’ Stone” (Robert Luke Harshman e Tommy Boyce) e “Look Out – Here Comes Tomorrow” (Neil Diamond); The Doors, uma banda cheia de estilo que teria ido mais além se não fosse a morte de Jim Morrison – “Light My Fire” (Jim Morrison, John Densmore, Ray Manzarek e Robby Krieger), “Peace Frog” (Jim Morrison, John Densmore, Ray Manzarek e Robby Krieger) e “L.A.Woman” (Jim Morrison, John Densmore, Ray Manzarek e Robby Krieger); e The Beach Boys, cujo principal sucesso foi a música “Surfin U.S.A.”
(que na verdade era “Sweet Little Sixteen”, de Chuck Berry, com uma letra diferente feita por Brian Wilson). Outros sucessos dos Beach Boys foram “I Get Around” (Mike Love e Brian Wilson) e “Wouldn’t It Be Nice” (Brian Wilson), lançada com um clipe onde os participantes da banda imitavam os trejeitos dos Beatles no cinema.
Os negros que gravavam discos não eram muitos – quase que só Chuck Berry – “Johnny B.Goode” (Chuck Berry), “Sweet Little Sixteen” (Chuck Berry) e “Rock & Roll Music” (Chuck Berry) e Little Richard – “Long Tall Sally” (Richard Penniman, Enotris Johnson e Robert Blackwell), “Good Golly Miss Molly” (Robert Blackwell e John Marascalco) e “Lucille” (Albert Collins), que cantavam o rock and roll com menos influência do western country, mas com muita influência do rhythm & blues e do soul, o que acabava produzindo alguma diferença entre a sonoridade da sua música e a do rock-a-billy dos brancos.
Quando surgiu, o rock and roll era uma música intensa e vinha substituir a dança nos salões onde o swing das grandes orquestras começava a perder espaço, e deixou de ser “música racial” ao cair no gosto da classe média branca americana e se tornar comercialmente palatável para os donos das gravadoras.
Em 1955 o rock invadiu as Ilhas Britânicas, fazendo aparecer alguns grupos pioneiros, como a primeira banda de John Lennon e Paul McCartney – The Quarrymen – “I’ll Follow The Sun” (John Lennon e Paul McCartney), “One After 909” (John Lennon e Paul McCartney) e “Maggie Mae” (música tradicional de Liverpool) – todas as três foram gravadas muitos anos depois pelos Beatles; Cliff Richard e os Drifters (depois chamados de Shadows) – “Twenty Flight Rock” (Ned Fairchild e Eddie Cochran), “Living Doll” (Lionel Bart) e “Move It” (Cliff Richard).
Com o passar do tempo e o crescimento da música pop, que fugia das tradições do rock, principalmente durante a década de 1970 – com Michael Jackson, Madonna, Billy Joel, Stevie Wonder, Paul Simon, James Brown, Carpenters, The Guess Who, Carole King, Chicago, America, Bruce Springsteen, Prince, Diana Ross – o rock and roll e o blues moderno perderam espaço nos Estados Unidos, e ganharam força nas Ilhas Britânicas, em outros países da Europa e também na Austrália, como bem atestam as mega-carreiras dos Beatles, Rolling Stones, Yardbirds, Animals, The Who, Deep Purple, Eric Clapton, Jeff Beck, John Mayall & Bluebreakers, Led Zeppelin, Pink Floyd, e muitos outros.
Evidentemente o Brasil não iria ficar fora dessa influência e, passado o tempo do “roquinho”, trouxe à tona nos anos 1980 um rock cheio de conteúdo, com um perfil contestador, num movimento denominado “Rock Nacional”.
O movimento eclodiu em Brasília, mas logo teve a cumplicidade de jovens músicos de todo o país, com o aparecimento de Paralamas do Sucesso, Engenheiros do Hawaii, Legião Urbana, Titãs, Barão Vermelho, Biquini Cavadão, Ultraje a Rigor, Ira!, Capital Inicial, Camisa de Vênus e muitas outras.
Com uma história que já atravessa gerações o rock conquistou o seu lugar na música do século 20 e mostra que veio pra se perpetuar no século 21, quer utilizando a base acústica que marca a sua origem, quer privilegiando instrumentos eletrônicos, a tecnologia ou os sons esotéricos, pois o seu segredo não reside apenas na sonoridade, mas principalmente no espírito da música.      
Por essas e outras é que o rock é bom e eu gosto. Quem vivenciou esta trajetória nunca vai deixar de ser roqueiro.

quinta-feira, 17 de dezembro de 2015

Parte II– A música que tomou conta do mundo

Esse tal de rock and roll sempre exerceu sobre mim o mais profundo fascínio, talvez pelo seu parentesco com o jazz – ambos vieram das raízes do blues – ou talvez porque o seu surgimento tenha se dado durante a minha adolescência, pois as coisas que acontecem nessa época marcam intensamente a vida da gente.
Com o final da Segunda Guerra Mundial em 1945 o mundo começou a viver uma nova ordem econômica e social, e isto afetou sobremaneira o comportamento da juventude e a indústria da música. 
A América, como os europeus chamavam os Estados Unidos, detinha uma liderança política e cultural iniciada com a invasão do jazz ainda no início do século 20 e consolidada com o fim da guerra. No início da década de 1950, a América começou a exportar outro tipo de música, mais ao gosto da nova geração.
Nesta nova música, as grandes orquestras foram substituídas por pequenos conjuntos, e os metais, embora presentes em grande escala no rhythm & blues, foram trocados por violões, guitarras e guitarras-baixo.
O piano, que impunha uma marcação importada do boogie-woogie, também se fazia presente em algumas formações, principalmente quando o líder e cantor era o próprio pianista, mas com rigorosas exceções estas formações também não abdicavam da guitarra, que tinha um papel preponderante nos solos e praticamente ditava o espírito da música.
Assim, além da guitarra, naquele tempo ainda sem os pedais, o rock trazia na sua origem também o som do piano, da bateria, do contrabaixo acústico e até do sax-tenor – line-up utilizado pela banda Bill Haley and The Comets (nome que o líder e vocalista William John Clifton Haley colocou no seu grupo, fazendo menção ao cometa de Halley, que havia assustado o mundo em 1910 e iria passar novamente em 1986, desta vez sem alarde).
Os grandes sucessos de Bill Haley foram “Rock Around The Clock” (Max C.Freedman e James E.Myers), “See You Later Alligator” (Robert C.Guidry) e “Shake, Rattle and Roll” (Big Joe Turner), músicas que podiam ser ouvidas em disco e em programas de radio, e vistas nos primeiros anos de televisão no Brasil e nos filmes de cinema especialmente feitos para promover o estilo.
Este “pré-rock and roll” teve outros expoentes, como a banda de rhythm & blues de Louis Jordan chamada Timpany Five, com a sua conhecida gravação de “Caldonia” (B.B.King e Lowell Fulsom), além de “Saturday Night Fish Fry” (Louis Jordan) e “Let The Good Times Roll” (Fleecie Moore e Sam Theard); ou Fats Domino, mais voltado para o blues – “The Fat Man” (Fats Domino e Dave Bartholomew), “Ain’t That A Shame” (Fats Domino e Dave Bartholomew) e “Blueberry Hill” (Vincent Rose, Larry Stock e Al Lewis); Bo Diddley, antes de cair de cabeça no blues – “Hey, Bo Diddley” (Bo Diddley), “Before You Accuse Me” (Bo Diddley) e “I’m A Man” (Bo Diddley); ou ainda Ray Charles, cantando e tocando uma pegada mais forte de soul – “What’d I Say” (Ray Charles), “I’ve Got A Woman” (Ray Charles e Renald Richard) e “Hallelujah I Love Her So” (Ray Charles); e até Ike Turner and His Kings Of Rhythm – “Splish Splash” (Bobby Darin e Jean Murray), que seria um futuro sucesso brasileiro na versão de Roberto Carlos.
Junto com o rock nasceram o rock-balada e um tipo de música que recebeu no Brasil o nome carinhoso de “roquinho”, outra marca registrada da metade do século 20 e que foi devidamente explorada pelo movimento “Jovem Guarda”, criado pela agência de publicidade Magaldi, Maia & Prosperi para a TV Record em 1965 e estrelado por Roberto Carlos, Erasmo Carlos e Wanderléa, que faziam o show das tardes de domingo recebendo outros astros do movimento – Antonio Marcos, Deny & Dino, Ed Wilson, Eduardo & Silvinha Araujo, Evinha, Jerry Adriani, Leno & Lilian, Martinha, Paulo Sérgio, Ronnie Von, Sérgio Murilo, Vanusa, Waldirene, Wanderley Cardoso e os conjuntos Os Golden Boys, Os Incríveis, Os Vips, Renato e seus Blue Caps, The Fevers – até o início de 1970.
O rock-balada e o “roquinho” não tinham o mesmo compromisso com a forma, com o drive e – por que não dizer? – com a seriedade do verdadeiro rock and roll e sua missão era tornar a juventude mais feliz nos bailes e festinhas caseiras.
No cardápio internacional, cantores como Paul Anka – “You Are My Destiny” (Paul Anka), “Puppy Love” (Paul Anka) e “Diana” (Paul Anka), e Neil Sedaka – “Another Sleepless Night” (Neil Sedaka), “Oh Carol” (Neil Sedaka e Howard Greenfield) e “I Go Ape” (Neil Sedaka e Howard Greenfield), que misturavam as duas coisas.
Pode-se afirmar com uma certa precisão que o rock-balada começou com o grupo The Ink Spots – uma espécie de antecessores dos The Platters – com a música “If I Didn’t Care” (Jack Lawrence) gravada em 1939.
Depois, eles gravaram “We’ll Meet Again” (Ross Parker e Hugh Charles), e “Always” (Irving Berlin), dentro do mesmo estilo.
Mais tarde surgiram, além do próprio grupo The Platters – “The Great Pretender” (Buck Ram), “Only You” (Buck Ram) e “My Prayer” (Georges Boulanger e Jimmy Kennedy), também o cantor Pat Boone – “Bernardine” (Johnny Mercer), “Don’t Forbid Me” (Charles Singleton) e “Love Letters In The Sand” (Charles Kenny, Nick Kenny e John Frederick Coots), e a revelação Brenda Lee – “I’m Sorry” (Dub Allbritten e Ronnie Self), “Sweet Nothin’s” (Ronnie Self) e “That’s All You Gotta Do” (Jerry Reed).
A música tocada por estes grupos e cantores, apesar de não ser propriamente rock and roll, foi uma das preferências musicais da juventude daqueles anos e tinha uma estrutura construída entre a balada tradicional e o rhythm & blues, servindo inclusive como base para alguns arranjos utilizados por Elvis Presley nas suas primeiras gravações.

sexta-feira, 11 de dezembro de 2015


Os vascaínos que me perdoem, mas não é possível encerrar o ano sem comentar o destaque negativo do Gigante da Colina, que cai para a Série B pela terceira vez nos últimos sete anos.
É mais do que uma sina, é uma provação!
Independentemente de necessitar de uma quase improvável combinação de resultados na última rodada, o Vasco sequer fez a sua parte, pois não passou de um empate sem gols com o Coritiba.
Também em 2008 e 2013 o time não venceu na rodada final – perdeu por 2x0 para o Vitória e por 5x1 para o Atlético Paranaense, marcando assim os seus rebaixamentos de forma melancólica.
A torcida e os analistas procuram as causas deste desempenho desastroso, e a primeira coisa que vem à mente é a briga política das diferentes alas, pois forças antagônicas vão cavando um fosso cada vez mais profundo que vai solapando os alicerces do clube.
O fato é que o time disputou um primeiro turno tão ridículo que a sua queda já era preconizada no início do returno. Então, mesmo contando com uma série de bons resultados nas últimas partidas, com a direção segura do técnico Jorginho e com o sangue novo do jogador Nenê, já era muito tarde para consagrar o milagre, pois as equipes do bloco de trás também ganhavam seus pontos no suor e na raça.
O cabo de guerra tem de um lado o ex-presidente Roberto Dinamite, que comandou o clube de 2008 a 2014, e o atual presidente Eurico Miranda, que comandava o clube “sub-judice” quando Dinamite assumiu, e retornou ao vencer as eleições no ano passado. Ambos têm a sua parcela de culpa.
Cabe então à diretoria e aos conselheiros corrigir a conduta dos adversários políticos, pregando uma trégua que permita aos jogadores atuar com mais tranquilidade e voltar no ano que vem para fazer um papel decente na Série A.
Afinal, o Vasco é um clube com muita história.
O Vasco da Gama foi fundado em 1898 por um grupo de remadores (daí o nome Clube de Regatas), e recebeu o nome do navegador português porque naquele ano eram celebrados 400 anos da descoberta do caminho marítimo para as Índias.
Nos seus 117 anos de existência, o clube não conquistou nenhum título intercontinental de relevância (apenas dois torneios internacionais em 1953 e 1957), mas ganhou o Campeonato Sul-Americano de Clubes Campeões (um espécie de precursor da Copa Libertadores) em 1948, a própria Libertadores em 1998 e a Copa Mercosul em 2000.
Adicionem-se a esses títulos quatro Campeonatos Brasileiros (1974, 1989, 1997 e 2000), três Torneios Rio-São Paulo (1958, 1966 e 1999), uma Copa dos Campeões Estaduais Rio-São Paulo (1937), uma Copa do Brasil (2011) e um Torneio João Havelange (1993). Como prêmio de consolação, o clube foi campeão da Série B em 2009.
No âmbito estadual, foram 23 títulos cariocas, conquistados entre 1923 e 2015, contra 33 do Flamengo, 31 do Fluminense, 20 do Botafogo, 7 do América, 2 do Bangu, 2 do São Cristóvão e um do Paysandu em 118 campeonatos disputados.
O melhor grupo de jogadores jamais formado pelo Vasco da Gama aconteceu na década de 1940 e início dos anos 1950, quando se constituiu na base da seleção brasileira vice-campeã mundial de 1950.
O time era chamado de “O Expresso da Vitória” e teve entre os seus craques, além dos convocados Barbosa, Augusto, Ely do Amparo, Danilo Alvim, Alfredo, Friaça, Maneca, Admir de Menezes, Jair Rosa Pinto e Chico, também Heleno de Freitas, Tesourinha, Lelé, Jorge, Ipojucan, Sabará e Djalma.
Ao longo da sua trajetória o clube conheceu outros craques, como Fausto dos Santos, Pinga, Orlando Peçanha, Almir Pernambuquinho, Mauro Galvão, Roberto Dinamite, Juninho Pernambucano, Edmundo e Romário, entre outros.
É hora de o comandante tirar a nau do mar proceloso em que se meteu e recolocá-la em águas mais tranquilas.
Sua torcida merece.

Gol de Placa se despede em 2015 desejando a todos um Feliz Natal e um 2016 melhor. Estaremos de volta no dia 15 de janeiro próximo.  



(artigo publicado no caderno Super Esportes do jornal O Imparcial de 11/12/2015)


quinta-feira, 10 de dezembro de 2015


Parte I - Um abraço no Gilberto Mineiro

Durante um curto período São Luís movimentou uma casa de espetáculos chamada Equator, que era na verdade um imenso picadeiro com arquibancadas de cimento, mais parecendo um ginásio esportivo. A casa era rústica, tinha problemas de acústica, não oferecia conforto nem um bom serviço de bar e não teve, portanto, vida longa.
Em pouco tempo o prédio foi demolido e o espaço acabou se transformando num grande estacionamento aberto, no que se revelou muito mais adequado, pois assim permanece até hoje.
Quando surgiu o Equator veio com ele a esperança da abertura de um espaço que pudesse congregar as tribos de garotos roqueiros que sobreviviam esparsos pela cidade, pois naquele tempo era difícil encontrar um palco para mandar um rock ou um blues de responsabilidade.  
Os proprietários de bares e casas noturnas tinham um grande preconceito contra o rock, que eles consideravam uma “música de alto volume que não atraía o público consumidor, interpretada por músicos que assustavam as pessoas com aquele som ameaçador”.
Para a tristeza do rock, o Equator deixou de ser uma esperança para os roqueiros e acabou se transformando, no seu curto período de existência, em uma casa de reggae, o ritmo jamaicano que na época havia tomado conta da cidade com suas radiolas e seus dreadlocks, fazendo com que muitos apreciadores criassem o hábito oticamente pouco saudável de se colocarem ao lado das potentes caixas de som e com que muitos casais voltassem a dançar agarradinhos, longe da febre das disco houses.
O rock caminhava com dificuldade, embora conseguisse ser exibido em alguns lugares com o pequeno sucesso que a sua pouca aceitação na cidade permitia, como as ruas do Projeto Reviver, o Bagdá Café, o Créole Bar, o Restaurante Peixe na Telha – e que boa memória ainda tenho da sua proprietária, nossa saudosa amiga Neirimar! – apostando no talento de meninos como Adriano Correa, Aldreder, Alexander Carvalho, Elvis, Glad Azevedo, Paulo Pellegrini e outros. 
Estávamos no início dos anos 1990.
Era sábado, e neste dia, graças às artimanhas do diligente produtor, estava sendo realizado no Equator não uma festa de reggae, como seria de se supor, mas um festival de rock como a gente sonhava, com diversas bandas locais se apresentando, algumas mais ativas e experientes e outras ainda com o rótulo de garage bands, contando com a presença de um público jovem bastante participativo.
As garage bands eram formadas por jovens adolescentes que se reuniam nas suas casas depois das aulas e não tinham um grande conhecimento musical teórico nem qualquer ambição profissional, embora alguns deles tivessem seguido carreira, mesmo se paralela a alguma outra atividade acadêmica.
Menos participativos do que o público jovem, alguns homens e mulheres maduros que assistiam ao festival davam a impressão de que lá estavam apenas por conta dos seus pimpolhos que soltavam provavelmente seus primeiros gorjeios em público, mostrando aos presentes aquela guitarra e aquele baixo recém-adquiridos, sem as marcas ou os riscos causados pelo uso. 
Aparentemente os meninos se divertiam mais enquanto acertavam o som das guitarras e falavam “um-dois-sssommmm” ao microfone do que quando se punham realmente a tocar.
As apresentações haviam começado às quatro da tarde misturando alguns trabalhos autorais esforçados com alguns covers bem ensaiados, e a expectativa era a de que mais gente chegasse durante o transcorrer dos shows, sendo previsto o seu gran finale apenas lá para as dez da noite.
O Equator Rock Festival foi mais um evento produzido por Gilberto Mineiro, radialista e produtor musical com uma vida dedicada ao rock, que tinha a seu encargo um programa semanal de radio que mantém até hoje, embora com outro nome e em outra emissora. Mais tarde ele passaria também a trabalhar com música alternativa, drum & bass, som do mangue, acid jazz, world music, nova MPB e outras coisas do gênero.
Gilberto Mineiro é o que se pode chamar de uma cabeça pensante, inteligente e provocador seja na música ou fora dela, embora geralmente procure canalizar as suas discussões para o campo da qualidade musical, sendo implacável com aquilo que ele considera de baixo nível. Com ele, sempre temos a garantia se uma boa conversa.
Como apreciador do velho e bom rock and roll eu também lá estava, totalmente envolvido por aquele recital de guitarra, baixo e bateria no meio de jovens cabeludos, a maioria trajando preto, alguns portando correntes e outros adereços punk, outros dançando as suas gingas e cabeçadas, mas tudo dentro de muita alegria e – pasmem! – muita paz e ordem, ao contrário do que certamente temiam os pais e acompanhantes, e os donos de bar mal avisados.
Aquilo foi o início de uma nova era.
Hoje em dia, o rock saiu da toca e se apresenta em diversos bares, pubs, restaurantes e casas noturnas, praias e praças, puro ou na forma de blues, e ao contrário de que temiam os proprietários dos locais, a distorção das guitarras e o frenesi da bateria seguem atraindo público de todos os matizes.
Graças à teimosia de bandas pioneiras como Daphne, Alcmena e Paul Time, e mais tarde Página 57, The Mads, Pandha S.A. e tantas outras, e graças ao trabalho de produção e divulgação de Gilberto, o rock passou a ser participante da cena musical da cidade.
Enquanto eu acompanhava o entusiasmado balanço de uma das bandas do Equator Rock Festival, um jovem de não mais do que quatorze anos me observava, curioso.
Trajando roupas sem qualquer espalhafato e sem nenhuma parafernália que denunciasse sua apreciação pelo que estava acontecendo no local, ele tomou coragem e fez a pergunta que o estava intrigando, dada a minha idade avançada para aquelas estripulias: “Mas, tio, você gosta mesmo disso?!...”
Eu respondi com toda a sinceridade histórica que o momento merecia: “Meu filho, quando ‘isso’ começou a acontecer, eu tinha mais ou menos a sua idade. E nunca mais parei de ouvir e de gostar...”


domingo, 6 de dezembro de 2015


Terminou mais uma temporada do Campeonato Mundial de Fórmula Um, deixando o aficionado brasileiro tão desanimado quanto um torcedor de futebol do Mamoré-MG – para ficarmos longe das polêmicas.
Faz tempo que os nossos pilotos não “correspondem” e por consequência o número de aparelhos de televisão desligados caiu tanto a ponto de a TV Globo cogitar se vale a pena continuar transmitindo pelo canal aberto.
Está difícil convencer o torcedor a vibrar com Felipe Massa ou a ficar empurrando o frágil carro de Felipe Nasr com a força do pensamento. Massa está cada dia mais chato e antiético, transferindo para os outros os problemas criados pelas suas próprias deficiências. Nasr ainda pode crescer.
Somente aqueles que gostam realmente do esporte – como eu – se aventuram a assistir às corridas madrugadoras da China, do Japão ou da Austrália e se emocionam com pegas de pilotos ingleses e alemães, na falta de brasileiros competitivos.
Mas de 1988 a 1994 todo brasileiro tinha por hábito não despregar os olhos da televisão aos domingos para acompanhar as corridas, muitas vezes sacrificando a praia, o almoço na casa dos parentes e o próprio futebol, naquele tempo em que o futebol andava relativamente em baixa, como hoje.
Eram tempos de Ayrton Senna.
A Fórmula Um é muito antiga, vem de 1950 e já produziu muitos ícones, como Juan Manuel Fangio, Jack Brabham, Graham Hill, Jim Clark e Jack Stewart, num período romântico que se estendeu durante cerca de vinte anos, quando a tecnologia começou a auxiliar os pilotos a conduzir os seus veículos.
No Brasil, a marca Fórmula Um começou a se evidenciar nos anos 1970, e teve como prêmio a conquista de um bicampeonato (1972 e 1974) pelo piloto Émerson Fittipaldi, naquela época em que as transmissões deste tipo de evento ainda engatinhavam, com poucas câmeras, informação limitada e poucos televisores a cor.
A TV Globo contava com uma equipe de esportes da qual participavam Julio Delamare, Luciano do Valle, Ciro José e o jovem Reginaldo Leme, e a sua primeira transmissão se deu em 1972. O primeiro título de Émerson Fittipaldi, porém, foi narrado pelo seu pai, o ex-piloto e radialista Wilson Fittipaldi, chamado de “O Barão”.
Nelson Piquet inaugurou uma nova década com o título da temporada de 1981, completado por um tricampeonato em 1983 e 1987, e foi então que o torcedor brasileiro começou realmente a tomar gosto pela coisa.
Galvão Bueno foi contratado pela Globo em 1981 para ser o “segundo” de Luciano do Valle, e assumiu a titularidade em 1982 com a ida de Luciano para a Record.
A Fórmula Um é a competição de automobilismo mais antiga que existe e consequentemente a que continua tendo mais charme, o que provoca uma larga audiência em todo o mundo.
Pode-se dizer que apesar da atual entressafra, o Brasil se encontra bem representado na história da categoria. Começou com Émerson que conquistou dois títulos numa época em que dirigir um daqueles bólidos era estar sentado em um tanque de gasolina a uma velocidade de mais de 100 km/h. Seguiu em frente com três conquistas de Piquet numa época onde os engenheiros contavam menos do que hoje, o piloto dirigia no braço e sujava a mão de graxa para preparar o motor junto com os mecânicos.
Aí apareceu Ayrton Senna, para se transformar no maior ídolo das manhãs de domingo, com três títulos (em 1988, 1990 e 1991) conquistados com muito arrojo e determinação, a ponto de ainda ser, até hoje, considerado o melhor piloto de Fórmula Um de todos os tempos, inclusive por alguns pilotos vencedores, como Michael Schumacher (o único heptacampeão), Sebastian Vettel (tetracampeão) e Lewis Hamilton (tricampeão e atual detentor).
Todo ano são feitas modificações no regulamento das corridas – como pontuação, pneus, pit-stop – e na tecnologia dos carros visando aumentar a competitividade e equilibrar as forças entre os diversos pilotos participantes, mas não se pode dizer que os membros da FIA estão conseguindo grandes progressos, e com isso aumentar o interesse pelas corridas.
Mesmo assim, os patrocinadores e parceiros continuam investindo muito dinheiro na categoria, que lota autódromos em todo mundo com um público cada vez mais participativo.
O brasileiro é mais modesto. Apenas sonha com um piloto que possa lhe devolver as alegrias que Senna – e por que não Émerson e Piquet? – lhe proporcionou nos últimos anos do século passado.   


 (Artigo publicado no caderno SuperEsportes do jornal O Imparcial de 04/12/2015)



sábado, 28 de novembro de 2015


É sem dúvida estranho fazer comentários sobre o encerramento de um torneio quando faltam ainda duas rodadas para ele chegar ao fim.
Só que o Campeonato Brasileiro acabou antes de acabar. Aliás, já tinha acabado há algumas semanas, dada a diferença de produção de um time – o Corinthians – comparada com os demais. Há várias rodadas, enquanto o time mosqueteiro acumulava pontos mantendo uma distância segura sobre seus perseguidores, encabeçados pelo vacilante Atlético Mineiro, os outros iam tropeçando, se enrolando e se mostrando incapazes de começar uma perseguição que resultasse em algo.
Houve disparidade em tudo – na pontuação, no desempenho em campo, no aproveitamento da vantagem sobre adversários mais fracos e na manutenção da lógica de quem jogava como favorito.
Todos os outros 19 concorrentes, com maior ou menor diferença, disputaram um campeonato à parte, ganhando, empatando e perdendo entre si, muitas vezes entregando os pontos mesmo jogando em casa, apesar de algumas vezes obter resultados heroicos quando a vaca já parecia estar no brejo.
A conquista do Corinthians foi tão cristalina que mesmo depois de toda a grita dos adversários contra cinco ou seis pontos conseguidos graças a erros de arbitragem (isto aconteceu no final do primeiro turno) ninguém mais conseguiu atribuir ao apito a desabalada carreira percorrida em todo o segundo turno da competição.  
Invicto há dez jogos – foi derrotado apenas uma vez neste turno, 1x2 para o Internacional – o time vem jogando sem tomar conhecimento dos adversários.
É interessante notar que o elenco das equipes brasileiras que estão disputando a Série A mostra um certo equilíbrio na qualidade individual dos jogadores, isto é, os atletas do Corinthians não têm uma superioridade tão marcante sobre os demais  para justificar tanta diferença dos resultados obtidos. Por outro lado, a qualidade de conjunto mostrada do segundo ao último colocado é quase a mesma, resultando em jogos equilibrados entre agremiações que ocupam esses patamares antípodas.
Aqui e ali, o time corintiano sofreu com alterações que na época pareciam difíceis de contornar, como a saída de Paolo Guerrero e de Emerson e a contusão de jovens promessas que trocaram o campo de jogo pelo departamento médico bem na hora em que começavam a se transformar em soluções interessantes para a equipe. 
Mas a equipe não sentiu, e os outros times foram ficando pelo caminho.
Os clubes cariocas passaram a temporada batendo cabeça e nunca se encontraram na competição, a ponto de nenhum deles chegar nem perto de lutar por uma vaga na Copa Libertadores. Os clubes mineiros jamais mostraram poder de recuperação para brigar pra valer no topo da tabela, e os paulistas frustraram dirigentes e torcedores.
O Palmeiras foi o time que mais se preparou e mais contratou, inclusive no que diz respeito a técnico e diretor de futebol, mas está mostrando um nível técnico inferior até se comparado com aqueles que passaram o campeonato inteiro dentro da zona de rebaixamento.
O Santos mostrou um brilho de fogos de réveillon, pois não durou mais do que um pequeno instante. Quando parecia que o torcedor iria se reencontrar do com o futebol moleque que notabilizou Pelé, Coutinho, Juari, Robinho e Neymar, o time afundou na mediocridade, perdendo pontos incríveis para times equipes notadamente inferiores.
O São Paulo se desestruturou completamente no aspecto financeiro e ainda passa por uma crise sem precedentes da sua administração. Vendeu quem não devia vender, contratou quem não devia contratar e tem que dar graças aos céus por estar (ainda) ocupando a quarta posição.
Já o Corinthians, depois e um primeiro semestre vacilante, quando perdeu o Campeonato Paulista e foi eliminado da Copa do Brasil, aprimorou o seu futebol jogando com inteligência e obedecendo às orientações táticas sempre com precisão.
Quer me parecer que o grande segredo do time é um gerenciamento consistente, muito treinamento e obediência tática, e um técnico – Tite – que aproveitou o tempo em que ficou desempregado para reciclar conhecimento e aprender a trabalhar o emocional de um grupo de jogadores.
Uma prova de que título também se ganha no vestiário. 




(artigo publicado no caderno Super Esportes do jornal O Imparcial de 27/11/2015)



sábado, 21 de novembro de 2015

Sempre que fazem alguma cobertura ou reportagem in loco, jornalistas e comentaristas esportivos não perdem a oportunidade de ressaltar a falta de manutenção a que foi relegada a maioria dos estádios construídos ou remodelados em função da Copa do Mundo.
É como se alguém comprasse móveis caríssimos e requintados para decorar a sua sala de estar e os deixasse expostos ao ar livre, sujeitos a sol, chuva e trovoadas. Abandonados sem qualquer cuidado, tanto móveis de fina estampa como estádios de concreto acabam tendo o mesmo destino. 
Todos lamentam o estado de abandono desses estádios. Aparentemente o eufemismo conhecido como “legado da Copa” terminou quando o repasse do dinheiro acabou.
Depois de pouco mais de um ano da realização da Copa do Mundo, a sociedade brasileira vê com muita decepção os restos da festa de gala que foi montada com os requintes de uma cidade cenográfica, isto é, bonita, mas frágil e irreal. É mais ou menos o que acontece também com outras atividades no país, proporcionando desde pequenos problemas caricatos até tragédias anunciadas como as que estamos vivendo, dada a direção na contramão de pilotos desastrados (alguns) ou mal-intencionados (infelizmente, muitos).
O que sobrou da Copa faz lembrar restos de carros alegóricos e adereços abandonados ao relento depois de terminado o carnaval.
Em nome da moralidade, espocam atualmente processos contra empreiteiras, que aliaram superfaturamento a obras de baixo custo, e contra aqueles que fizeram a distribuição do butim entre políticos, administradores públicos e dirigentes esportivos, o que prova que não se tratava apenas de suspeita ou mesmo de maledicência contra a Copa, como muitos afirmavam, mas da existência de uma rapinagem geral e irrestrita, como se supunha. Uma verdadeira farra com o dinheiro público, embora a CBF, os governantes e muitos interessados jurassem de pés juntos que não se tratava de dinheiro do contribuinte e que os clubes porventura beneficiados estavam apenas tendo um financiamento a ser reembolsado.
Os clubes que embarcaram nessa aventura estão encalacrados, pois com a atual situação da nossa economia eles terão dificuldades enormes para pagar a conta, a não ser que sejam beneficiados com alguma anistia, ou que passem o resto da existência refinanciado e reparcelando o valor da dívida. O Corinthians, por exemplo, tem um débito de 1,15 bilhão de reais que deverá ser pago ao BNDES em parcelas de 5 milhões de reais por mês, com o valor reajustado após 2016.
A vergonhosa participação da CBF no caso fica evidente com a prisão do seu presidente exatamente por atentar contra a lisura na realização do torneio por várias formas conhecidas – cumplicidade com alguns bandidos da Fifa e negociata com direitos de transmissão – e com certeza por muitas irregularidades que ainda virão a público.
A Copa 2014 foi capitaneada pelo agora ex-secretário geral da Fifa Jéròme Valcke, atualmente investigado por irregularidades e recebimento de propina referente à realização do torneio e há denuncias contra o atual presidente da CBF Marco Polo Del Nero pelo mesmo motivo.  
Alguns exemplos são tão marcantes que saltam aos olhos, como a construção da Arena Corinthians pela Construtora Odebrecht (a mais enrolada no Lava-Jato) erigida com as bênçãos do BNDES e com a participação dos governos federal, estadual e municipal, que avalizaram a loucura, além do Estádio Nacional de Brasília (o Mané Garrincha) que sofreu uma intervenção milionária para abrigar apenas sete jogos e depois se aposentar, e ainda do Maracanã, que era uma das marcas registradas do Rio de Janeiro, foi totalmente desfigurado, e perdeu o seu charme, sendo atualmente negligenciado até pelos grandes clubes cariocas por causa de uma administração equivocada por parte de terceiros.
Com exceção da Arena Corinthians, que ainda mantém a boa aparência, quer seja porque foi mais bem construída, quer seja porque receba uma manutenção mais consistente, o dinheiro gasto pela organização para obedecer ao “padrão Fifa” não encontra eco na qualidade da obra. 
O Novo Maracanã e o Mané Garrincha, apesar de mostrarem à primeira vista um aspecto razoável e sem grandes falhas, apresentam terríveis problemas de deterioração interna, com a alvenaria rachando, lajotas se soltando e vazamento de água em muitos pontos.
É o “padrão Fifa” em liquidação.
 (Artigo publicado no caderno SuperEsportes do jornal O Imparcial de 20/11/2015)

sábado, 14 de novembro de 2015


Segunda-feira, dia 16 de novembro, o programa Bem Amigos, da Rede Globo, comandado pelo decano dos esportes globais Galvão Bueno, fará uma transmissão especial e exclusiva, transmitindo diretamente de Salvador na véspera do jogo Brasil x Peru que marcará a quarta exibição brasileira nas Eliminatórias da Copa 2018.
Para participar do programa, a produção convidou o ex-centroavante Careca, que será o assistente pontual de Dunga nesta rodada – uma excentricidade imposta pelo treinador para ter entre os atuais comandados algum jogador que tenha feito a diferença em alguma fase positiva da seleção no passado.
Foi gerada uma incerteza sobre a presença de Careca junto à equipe da Globo, pois a relação entre a emissora e a CBF azedou devido a uma notícia ventilada pelo experiente repórter Raul Quadros durante a transmissão de uma partida pelo campeonato francês: a CBF estaria cogitando a saída de Dunga do comando técnico da seleção.
O coordenador de seleções Gilmar Rinaldi ficou profundamente irritado com a notícia e em princípio vetou a presença de Careca no programa, exigindo uma explicação sobre de onde teria partido o boato.
Galvão contra-atacou bem a seu estilo e declarou alto e bom tom que o repórter tem credibilidade e que um jornalista jamais revela a fonte das suas notícias.
Antes que a coisa chegasse e explodir, Gilmar concedeu uma entrevista ao Seleção SporTV e disse ter havido “um problema de comunicação” e que Careca poderia participar sem problemas do programa. Só saberemos quando segunda-feira chegar.
Contratempos como esse fazem parte da democracia do esporte e acontecem aqui e acolá, com notícias, desmentidos, acusações, desculpas e retratações, de modo que o problema em si parece estar superado.
Resta no entanto aquele mosquito que continua zumbindo no ouvido da gente e reforça a possibilidade de Marco Polo Del Nero – já muito incomodado com os seus problemas pessoais – estar insatisfeito com o que a seleção vem apresentando desde a Copa América e ter conversado com um ou outro conselheiro sobre uma mudança na comissão técnica que pudesse trazer o gás necessário para uma renovação de conceitos, inclusive os da opinião pública a seu respeito – dele, presidente.
Na verdade, saiu Felipão e entrou Dunga, mas o conceito futebolístico continuou o mesmo – a dependência exclusiva de um só jogador, um meio campo travado e pouco criativo e os atacantes tentando acertar por meio de jogadas individuais.
Dunga está mais manso e menos arrogante, mas o que conta no momento não é a sua personalidade e sim a sua qualificação como técnico de uma seleção do porte do Brasil.
Del Nero deve estar atento no Campeonato Brasileiro, e percebido que a bola da vez é Tite.
Afinal, mesmo com o Corinthians contando com um elenco não tão melhor que os demais concorrentes, ele consegue extrair um futebol técnica e taticamente superior a ponto de livrar uma dezena de pontos sobre o segundo colocado e de garantir o título bem antes do campeonato acabar.
É de se esperar que Tite seja mais cedo ou mais tarde convidado para suceder Dunga, e que esta substituição apenas não ocorrerá se Dunga conseguir dar rapidamente um padrão ao time que coloque o Brasil no patamar do respeito ao qual estamos habituados, ou que Tite faça o que fez Muricy quando treinava o Fluminense – disse não à CBF e viu sepultada qualquer chance futura de ser chamado algum dia.  
Dunga tem uma boa oportunidade de melhorar a sua imagem e se defender dos críticos palacianos se tiver sapecado a Argentina na partida de ontem à noite em Buenos Aires e não passar nenhum aperto contra o Peru na próxima terça-feira em Salvador.




(artigo publicado no caderno Super Esportes do jornal O Imparcial de 13/11/2015)


sexta-feira, 13 de novembro de 2015

(o Brasil no circuito mundial dos festivais) 

Desde o final dos anos 1980, o Brasil tem se tornado um lugar bastante concorrido para a realização de festivais de rock, jazz e blues.
Mas nem sempre foi assim.
Demorou algum tempo para que o público brasileiro viesse fazer parte do roteiro dos megafestivais de música.
Naquela época os festivais de rock faziam comercialmente mais sentido do que os seus congêneres de jazz, pois tinham como suporte de mídia alguns bem sucedidos encontros internacionais produzidos e trabalhados mundo afora pelo show business.
É claro que isto não significa que o jazz não estivesse acontecendo no cenário mundial, mas parecia mais acertado apostar num movimento mais performático, como as bandas, os astros do rock e os seus grandes espetáculos de luz e cor, do que numa música que privilegiava mais os ouvidos e a sensibilidade.
O rock possuía um apelo mais popular, talvez por ter tido um surgimento mais recente. Afinal, o velho jazz foi apresentado ao mundo no início do século vinte, cinquenta anos antes que Chuck Berry afinasse a sua guitarra e produzisse o fenômeno que na época foi conhecido como rock-a-billy – uma mistura de country music com rhythm & blues, derivando para o rock and roll com a posterior intromissão do boogie-woogie.
A modernidade do rock era portanto mais propícia para agregar o público mais jovem, que não se importava em deixar o conforto de lado para se divertir como bem entendesse.  
Desde o seu nascimento, o rock teve uma boa penetração na mídia e era divulgado, embora ainda timidamente, em programas radiofônicos e festinhas de família onde no final da década de 1950 Bill Haley disputava espaço com Cely Campello e Carlos Gonzaga.
E isto não acontecia com o jazz e com o blues.

O Brasil da Era do Swing tinha programas radiofônicos de jazz com as grandes orquestras tocando ao vivo pela Voz da América, mas isto acabou com o fim da Segunda Guerra Mundial e com a mudança da mentalidade da juventude rebelde de então.
Por se constituírem num público menor e mais maduro, e por consumirem uma música mais sofisticada, jazzófilos e bluesófilos passaram então a viver num quase esquecimento, vendo-se obrigados a ouvir os seus estilos prediletos em casa por meio de gravações discográficas e a acompanhar de longe as trajetórias dos festivais de jazz mais famosos – Monterey (EUA), New York (EUA), Newport (EUA), Montreux (Suiça), JVC (França), Blue Note (Bélgica), North Sea (Holanda) e mais uma centena de outros – através de reportagens de colunas especializadas de jornais ou revistas, ou então por meio de discos long-play, cujas contracapas e encartes nos davam a noção do que se passava por lá, tudo documentado com as devidas fotos. Os discos muitas vezes traziam músicas gravadas ao vivo, o que adicionava uma emoção a mais ao ouvinte.
E a gente só sonhava, ainda que acordado.
De acordo com pesquisas não muito oficiais, o interesse que o jazz e o blues despertavam nos apreciadores de música era muito pequeno para se pensar num evento de largo consumo. Essa barreira, no entanto, foi de repente ultrapassada graças a alguns produtores arrojados que apostaram na inteligência do público e tiveram o apoio de patrocinadores fortes para tornar a ideia viável.
Estranhamente, apesar das pesquisas e da diferença na aceitação popular, jazz e rock foram apresentados pela primeira vez para as grandes plateias do Brasil no mesmo ano.
A primeira edição do Rock in Rio foi realizada entre os dias 11 e 20 de janeiro de 1985 – evidentemente na cidade do Rio de Janeiro. Ela foi absolutamente marcante e contou com a presença dos astros internacionais Queen, Iron Maiden, Whitesnake, James Taylor, George Benson, Rod Stewart, Scorpions, Yes, Ozzy Osbourne, Nina Hagen e AC/DC, e de Ivan Lins, Paralamas do Sucesso, Barão Vermelho, Lulu Santos, Pepeu Gomes & Baby Consuelo, Gilberto Gil, Erasmo Carlos, Ney Matogrosso e Kid Abelha e outros, entre os artistas locais.
Por ter sido o primeiro festival desse porte, o Rock in Rio foi um evento que precisou de muito fôlego e coragem, mas no final correspondeu plenamente às expectativas.
O público total chegou a quase um milhão e quatrocentas mil pessoas e respondeu com entusiasmo à aposta do publicitário e produtor Roberto Medina, embora ele próprio tenha admitido que realizar o festival “foi uma maluquice”.
O projeto Rock in Rio foi tão bem sucedido que se multiplicou nos anos seguintes – até 2015 foram seis edições no Brasil, seis em Portugal, três na Espanha e uma nos Estados Unidos, sempre com o mesmo nome, o que acabou o transformando em uma lucrativa trademark.   
Surpreendentemente, foi também em 1985 que aconteceu ao mesmo tempo no Rio e em São Paulo o primeiro Free Jazz Festival, patrocinado pela Companhia Souza Cruz, que aproveitou o nome de um dos estilos de jazz – o free jazz – para promover em grande estilo o lançamento da sua marca de cigarros Free, naquele tempo em que não existiam restrições para a sua propaganda e que o hábito de fumar ainda tinha o seu lado romântico. A companhia aérea Pan-Am também deu o seu apoio, notadamente no que disse respeito às viagens internacionais.
Não se sabe ao certo quem foi o idealizador do festival, mas sabe-se que a Rede Globo de Televisão ficou o tempo todo supervisionando o espetáculo.
A primeira edição trouxe atrações especialíssimas – Bobby McFerrin, Chet Baker, Ernie Watts, Sonny Rollins, Pat Metheny, McCoy Tyner, Joe Pass, Hubert Laws, Phil Woods, Davis Sanborn e Toots Thielemans, e os brasileiros Azymuth, Cesar Camargo, Egberto Gismonti, Wagner Tiso, Grupo D’Alma, Luiz Eça, Hélio Delmiro, Heraldo do Monte, Orquestra Tabajara, Paulo Moura, Zimbo Trio e Uatki, entre outros.
Em 1986 tivemos vinte e dois participantes, sendo quatorze brasileiros e oito internacionais, média que continuou sendo mantida até o fim do projeto em 2001 (o Free Jazz Festival foi descontinuado devido às leis antitabagistas e em 2003 foi substituído pelo TIM Festival, que perdeu as características originais e passou a focar um tipo de música alternativa, que incluía indie, eletrônica, rock e – felizmente – o próprio jazz). A partir de 2005 o TIM Festival estendeu a sua abrangência para outras capitais como Curitiba, Belo Horizonte, Vitória e Porto Alegre.
A febre dos festivais se espalhou pelo Brasil, e agora a gente pode curtir a cada ano encontros menores, mas de alta qualidade, também em Ouro Preto e Governador Valadares-MG, Paraty, Rio das Ostras e Búzios-RJ, Guaramiranga-CE, Olinda e Garanhuns-PE, Cascavel-PR, Brasília-DF e São Luís-MA (este através do Lençóis Jazz & Blues festival, que já completou seis edições). 
Apesar de bastante popular, o Free Jazz Festival nunca chegou a causar o mesmo impacto do Rock in Rio, principalmente porque tradicionalmente o rock sempre costuma reunir multidões em festivais realizados em grandes áreas ao ar livre em todo o mundo – vide Woodstock (Nova York-EUA), Altamond (Califórnia-EUA), Central Park (Nova York-EUA), Hyde Park (Londres-Inglaterra) e Ilha de Wight (Inglaterra) – ao passo que o jazz sempre teve um público menor, mais comportado e, pode-se dizer, mais exigente em termos de estrutura e conforto.

Foi nesse clima, em maio de 1990, que aconteceu o Segundo Festival de Blues no Ginásio do Ibirapuera, em São Paulo (o Primeiro Festival havia acontecido em Ribeirão Preto-SP, na Cava do Bosque, no ano anterior).
O festival teve a produção da LUKR Eventos, comandada por Roberto Cocenza. Também fazia parte da equipe meu amigo e parceiro Renato Winkler que, parodiando Vinicius, viajou muitas canções comigo, e havia interpretado o mestre violonista na película “A Busca E A Fuga”, mencionada no capítulo de “Eu e a Música” dedicado a Dick Farney.
Renato e eu tivemos uma curta mas profícua história musical que havia começado em Serra Negra-SP, onde nos conhecemos em meados dos anos 1960. Começamos a compor juntos, e na maioria das nossas composições eu fazia a letra e ele colocava a música, ou eu colocava a letra numa melodia já feita, ou um pouco de cada coisa...

Se a sombra agora mora em mim,
o meu porquê há de virar canção...
(estou triste, triste tanto...)
Só o sorriso bom de uma manhã
fará nascer o meu sorriso sol...
(estou triste, triste tanto...)
Só o renascer de todo amor
que imenso foi, vai me fazer feliz
(vem beijar meu desencanto...)
Volta, faz brilhar novamente a lua,
aquela mesma lua
que iluminou nossa grande noite...
Só o teu olhar traz o luar
pra iluminar o meu anoitecer,
só teu olhar me faz amanhecer...
Por que virar canção se é tão real,
venha depressa disfarçar o mal,
motivação da minha vida e paz,
cante comigo o meu sorriso sol
e o amor manhã também renascerá...

(“Amor ManhãAugusto Pellegrini e Renato Winkler) 

Renato possui uma harmonia diferente do convencional e passa para o ouvinte uma cadência bucólica. Ele é também um poeta de rara inspiração nas suas pinceladas cheias de um neologismo sagaz e de rimas no modelo haicai. É numerólogo nas horas vagas, tendo inclusive publicado um livro a respeito chamado “Guia Oracular – A Chave Do Poder Adivinhatório”.
Em termos de música, ao meu lado, foram doze composições ao longo de quatro anos, de 1970 a 1974, muitas delas regadas a muito vermute tinto com gelo, antes de a parceria ser interrompida pelo meu ingresso numa escola de samba, como mencionado no capítulo de “Eu e a Música” dedicado a Adoniran, e pela minha partida para São Luís-MA.
Em 1990 eu morava em São Luís, mas Renato insistiu para que eu fosse assistir ao festival em São Paulo e para tanto me enviou uma credencial de imprensa, dessas que a gente pendura no pescoço vinte e quatro horas por dia – “Pellegrini Augusto – Radio Mirante FM – São Luís-MA” – posto que eu era – e ainda sou – radialista especializado em jazz (e dizem que em blues, com o que não concordo).
O festival transcorreu de uma forma empolgante e reuniu no mesmo espaço músicos antológicos como Magic Slim, Bo Diddley, Buddy Guy, Junior Wells, Koko Taylor, John Hammond, The Blues Machine, Big Daddy Kinsey & The Kinsey Report e os blueseiros locais André Christóvam, Blues Etílicos e a Brasilian Blues All Stars, com Ed Motta, Flavio Guimarães e Roberto Frejat.
A grande vantagem de possuir uma credencial é poder ser uma sombra presente nas entrelinhas do espetáculo, nos bastidores, nos camarins e no hotel onde a troupe se hospedava, onde via de regra acontecia alguma jam session para confraternizar o blues, além da possibilidade de entrevistas nem sempre exclusivas, mas sempre muito especiais, e a descoberta maravilhosa de que por trás dos artistas consagrados de escondem seres humanos cheios de história para contar.
Boa parte das histórias acabaram se tornando descartáveis, e serviram  apenas para ilustrar alguns dos meus programas radiofônicos, mas uma conversa, em especial, ficou registrada, posto que histórica.
Bo Diddley, nascido Ellas Otha Bates, tinha sessenta e dois anos na ocasião do festival, embora aparentasse mais.
Ao contrário da maioria dos artistas presentes, que esbanjavam vitalidade, Diddley mantinha uma atitude melancólica, cansada e pouco sorridente, embora aparentemente tudo corresse às mil maravilhas na turnê blueseira.
Bo Diddley era o “low profile” que não combinava com a vibração do evento.
Cantor, guitarrista e compositor (suas músicas eram assinadas como Ellas McDaniels), Bo Diddley com sua guitarra quadrada foi talvez a figura mais emblemática do festival. Ele se constitui num dos elos mais importantes de um tipo de música que uniu o blues ao rock and roll e influenciou, entre outros, os astros Buddy Holly, Jimi Hendrix, Eric Clapton e Elvis Presley, além de Beatles e Rolling Stones. O que não é pouco.
Foi exatamente a menção a Elvis Presley que esquentou o assunto e soltou a língua do velho bluesman.
Apesar de ser mundialmente reconhecido como um dos maiores artistas do blues e do rhythm & blues, Bo Diddley reclamava que a sua carreira poderia ter sido muito mais bem sucedida se alguns produtores de discos e de shows não tivessem interferido de forma tão negativa e decisiva no seu desenvolvimento.
Ele, Diddley, teria sido o pioneiro a mostrar nos palcos a famosa performance do “rebolado do rock and roll” que se imortalizou com Elvis “The Pelvis” e que os pudicos dos anos 1950 consideravam obscena e atentatória aos bons costumes (mas que os jovens rebeldes sem causa simplesmente adoravam).
Possivelmente”, prosseguiu Diddley, “tenha sido um outro negro, Chuck Berry, quem realmente iniciou aquele tipo de dança lasciva, mas Berry podia ter tudo – ritmo, drive, empolgação – mas não conseguia passar para o público nem um pingo de malicia ou de sensualidade. Chuck era mais feio do que eu”. E riu, pela primeira vez durante a nossa conversa.  
Na sua própria descrição, Bo Didley era negro, feio e não tinha a estatura necessária para estar dentro dos padrões de beleza universalmente aceitos. No entanto, a novidade deste tipo de dança na nova música era tão empolgante que os produtores de shows decidiram que o rebolado devia ser incrementado por algum outro cantor, desde que fosse branco, bonito, atlético e sensual.
Assim, nos meados dos anos 1950, Bo Diddley foi descartado e caiu no limbo do rock and roll, derivando seu talento para uma área com menor apelo mercantil, o blues.  
Os produtores saíram então em campo à cata do homem com o biótipo ideal que tivesse o DNA para vender discos e aguçar o espírito da juventude, e descobriram um jovem cantor e guitarrista natural do Mississipi que estava fazendo um relativo sucesso no rádio e na televisão cantando uma espécie de ballad-country e de rock-blues.
Seu nome era Elvis Presley, ex-motorista de caminhão que estourou para o grande público com o bluesThat’s All Right Mama” (Arthur Crudup) e “Blue Moon Of Kentucky” (originalmente uma valsa escrita em 1946 por Bill Monroe), músicas que receberam um tratamento diferente por parte do guitarrista Scotty Moore e do baixista acústico Bill Black, nascendo daí – junto com o trabalho de outros pioneiros – o estilo “rock-a-billy”, uma fusão da country music com o rhythm & blues. 
O rebolado pra valer começou em 1957 com “Jailhouse Rock” e “King Creole” (ambas de Jerry Leiber e Mike Stoller), depois de uma série de baladas românticas, que no futuro iriam se constituir no ponto alto das suas interpretações – como “Love Me Tender” (George R.Poulton, W.W. Fosdick  e Ken Darby), “Lovin’ You” (Jerry Leiber e Mike Stoller).
De acordo com Diddley, foi nestas circunstâncias  que os produtores “roubaram” a sua ideia e que um eventual título, “The King of Rock‘n’Roll”, lhe teria sido usurpado.
O depoimento histórico foi encerrado abruptamente com a chegada de alguém da produção convocando Diddley para uma foto, a pedido de um repórter.  Não tenho certeza, mas ficou a impressão de que sobrou no rosto do velho bluesman um certo ar de alívio quando ele se despediu de mim, o que provavelmente acontecia por quase quarenta anos sempre que seu coração se abria para algum desconhecido.